dimarts, 27 d’abril de 2010

Trabajo Victor + Miquel

BREVE INTRODUCCION


Alphonse Maria Mucha (1860-1939) suele ser recordado por el papel destacado que jugó en la conformación de la estética del Art Nouveau francés a la vuelta del siglo. Como una lucha y relativamente desconocido artista de la vida origen checo en París Mucha logro la fama, de manera prácticamente inmediata cuando, en diciembre de 1894, aceptó el encargo de crear un cartel para una de las más conocidas actrices de la época, gracias a ello  “ El estilo Mucha “ como se conoció el  Art Nouveau en sus primeros días, había nacido.

El gran éxito de ese cartel propicio entre otras cosas el principio de una larga lista de trabajos, entre los que además de carteles se incluyeron, escenografías, vestuarios o joyas entre otros. Pero sin duda hablar de Mucha es sinónimo entre otros del cartel, de una parte de su historia, y de la evolución del mismo.




BREVE HISTORIA DEL CARTEL

Cheret y el nacimiento del cartel

Aunque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles. La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño.

El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul - impresas en un registro cuidadoso.
Aunque el proceso era difícil, el resultado era una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance. Comenzando en 1870 en París, se convirtió en el medio dominantes de la comunicación de masa en las ciudades de Europa y América. Las calles de París, Milán y Berlín fueron transformadas rápidamente en la "galería de arte de la calle," entrando de lleno en la edad moderna de la publicidad.

Francia a Finales del siglo XIX:

A finales del siglo XIX en Francia gobernaban los Republicanos Extremistas, anti-clericales, anti-monárquicos y ultra-nacionalistas, que se volvieron muy populares después de la pérdida de Alsacia y Lorena por parte de Alemania. Fue la época del “Asunto Dreyfus”: El soldado francés que se consideró culpable de traición por ser judío, y las reacciones de intelectuales como Émile Zola, que fue condenado a la cárcel  por escribir un artículo contra la actuación del gobierno en éste asunto.

El injusto encarcelamiento de Zola, movió a toda una generación de artistas e intelectuales progresistas como Sarah Bernhart, que se involucró en las actividades para reclamar la liberación de Zola. En aquella época Sarah Bernhart había vuelto de hacer una gira internacional, enriquecida, pero ya sin el enorme éxito de antaño, compró el Teatro de la Renaissance.

En el 1888, Gauguin se había trasladado a Arles, en el Sur de Francia para trabajar con Van Gogh con las series de cuadros de Alyscamps, pero el carácter depresivo de los dos artistas hizo fracasar la asociación, los dos se intentaron suicidar, y después del episodio de la oreja, Gauguin optó por volver a París, arruinado, donde conoció a Mucha en la Cremerie Madame Charlote.
La Belle Epoque
Durante el 1890, En plena belle Epoque en Francia, la afición por el cartel estaba en plena floración. En 1891, el primer cartel de Toulouse-Lautrec's, "Moulin Rouge", elevó el estado del cartel al la categoría de arte. Las exposiciones, los expositores y los distribuidores del cartel proliferaron, satisfaciendo la demanda del público por el cartel.
En esta época empezaron a aparecer organizaciones de artistas que editaban revistas y catálogos. Al comienzo de la década, el distribuidor parisino pionero Sagot, numeró 2200 carteles en su catálogo de las ventas. También aparecieron otras organizaciones como el Salón de Cent, una agrupación de artistas de París que publicaban la revista La Plume. Ésta publicación duró entre 1889 y 1914, y tenía como objetivo promocionar el arte sin ningún tipo de limitación, en ella ilustraron personajes como Willette, Forain, Toulouse-Lautrec, Maurice Denis, Gauguin, Pissaro, Signac, Seurat, Redon, Grasset y Mucha. El editor de la revista, publicaba especiales como sobre “El Gato Negro”, el simbolismo de Morées o sobre la obra de Mucha.
Grasset era un pintor y grabador suizo, que hacía tanto obras decorativas como carteles. Estuvo encargado de realizar los carteles del Théatre de la Renaissance, pero en 1890 abandonó esta tarea para dedicarse a ilustrar la Enciclopedia Larouse. Estos encargos le dieron mucho prestigio y le dieron fama en Estados Unidos, donde se le considera el iniciador de éste estilo en dicho país. También formó parte del Salón de Cent con Mucha, y participó en la Exposición Universal del 1900 creando su propia tipografía, que se usaría en los carteles y panfletos.

Gracias a la venta de unas obras, en el 1991, Gauguin se embarcó hacia Polinesia, para huir de la cultura occidental, donde desarrolló un estilo simplificado inspirado por el arte de Tahití. En el 1894 volvió una temporada corta a París, en la que se instaló en el estudio de Mucha, poco antes de que Mucha se volviese conocido.

En 1894, Alphonse Mucha (1860-1939), un funcionario checo residente en París, creó la primera obra maestra del cartel de Art Nouveau. El estilo florido de Mucha, nace durante la noche cuando Mucha fue presionado para producir un cartel para Sarah Bernhardt, la brillante actriz que había tomado París.  Gracias a los carteles de Mucha, Sarah Bernhart se volvió tan popular que vivió un segundo apogeo de su carrera. Con influencias de los Pre-Rafaelistas, y del arte bizantino, este estilo dominó la escena parisina en los diez años siguientes y se convertiría en el principal movimiento decorativo internacional del arte hasta Primera Guerra Mundial.

La belle Epoque fuera de París
El cartel fue introduciéndose lentamente en otros países pero a partir de 1880, se aceleró su popularidad. En cada país, el cartel fue protagonista también de todos los eventos culturales de importancia de la sociedad europea. En Francia, el culto del café (absenta y otros productos alcohólicos) era omnipresente; en Italia la ópera; en España las corridas de toros y los festivales; en la literatura y los productos para el hogar; en las ferias comerciales, en los diarios literarios de Gran Bretaña y de América y en el circo.

Las primeras distribuciones masivas de carteles fueron llevadas a cabo en Gran Bretaña e Italia en 1894, Alemania en 1896, y Rusia en 1897. La más importante fue llevada a cabo en Reims, Francia en 1896 y repartió 1.690 carteles por todo el país.

A pesar del cruce con los estilos de la "Belle Epoque", los estilos nacionales distintivos llegaron a ser evidentes. Los carteles holandeses fueron marcados por el orden lineal; los carteles italianos por su drama y escala magnífica; Los alemanes para su franqueza y medievalismo. La gran influencia de Francia había encontrado un contrapeso. El estilo Art Nouveau continuó después de acabado el siglo, aunque perdió mucho de su dinamismo con la imitación y la repetición. La muerte de Toulouse-Lautrec en 1901 y del abandono del arte del cartel por Mucha y Cheret -ambos dieron vuelta a la pintura- dejó un vacío en Francia en el nuevo siglo. Este fue llenado por un joven caricaturista italiano llamado Leonetto por el ilustrador Cappiello, que llegó en París en 1898.

Influenciado fuertemente por Cheret y Toulouse-Lautrec, Cappiello rechazó el detalle quisquilloso del Art Nouveau. En su lugar él se centró en crear una imagen simple, a menudo chistosa o extraña, que cautivaría inmediatamente la atención y la imaginación del espectador callejero.

Mucho antes de que el marketing estuviese presente en todos los rincones de la sociedad occidental, el pintor Alphonse Mucha ya realizaba gracias a su trabajo un importante trabajo publicitario.
Impulsor del art nouveau, autor de cuadros, carteles o vidrieras, e incluso creador de un jabón que llevaba su propio nombre, este pintor nacido en los territorios de la actual República Checa acercó más que nunca arte y publicidad al tiempo que sentaba las bases de una de las corrientes artísticas más representativas de comienzos del siglo XX, el art noveau.

EL ART NOVEAU
El Art Nouveau tiene como una de sus influencias al movimiento inglés de Arts and Crafts. Se desarrolló en varios países europeos y en los Estados Unidos, con la característica de ser el estilo más moderno y representativo de principios del siglo XIX, manifestándose tanto en las artes como en el diseño gráfico, arquitectura y el diseño de objetos cotidianos (mobiliario, decoración, etc.).
El término "Art Nouveau" fue adoptado en Inglaterra y Estados Unidos; en Alemania se llamó "Jugendstil" (estilo joven); en Austria "Secesión"; en Francia "Le Sístole moderne"; en España "Modernista". Como característica específica del estilo aparece el ornamento de formas orgánicas, por lo general vegetal muy relacionado con la ilustración y la fantasía. Los ejemplos más conocidos son los carteles franceses de Toulouse-Lautrec (1890) y los de Alphonse Mucha.
Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predominan la inspiración en la naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.
En gran medida sus aspiraciones se basan en las ideas de John Ruskin y William Morris, que podemos resumir en democratizar la belleza en el sentido de que hasta los objetos más cotidianos tengan valor estético y sean asequibles a toda la población (socialización del arte), aunque sin utilizar las nuevas técnicas de producción masiva. El art noveau no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas de art noveau son artistas "integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario. Así pues muchos arquitectos art noveau son también diseñadores, pues sus creaciones no se limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.).

Con formas inspiradas en la naturaleza a partir de líneas onduladas y ornamentos florales y la influencia de los grabados japoneses, característico por tratar al espacio de la representación visual en forma plana o bidimensional (sin profundidad espacial). Desde la organización de los elementos plásticos y comunicativos, este estilo revoluciona las formas de diagramación espacial más libres y dinámicas, ya que los títulos y los textos participan activamente dentro del espacio de la ilustración y con los elementos decorativos (guardas, etc.), superando la estructura ortogonal y simétrica del estilo gráfico anterior, modificando cánones estéticos muy arraigados.

Una de las características principales del Art Nouveau, por lo tanto, es que se adapta a las circunstancias de la vida moderna, por lo que se halla íntimamente ligado a la producción industrial, desarrollándose en dos vertientes: la arquitectura y el diseño gráfico.

Características generales del Art Nouveau:
Se desligó del Simbolismo en busca de una autenticidad de época.
Es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo.
Utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión...
Estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial
Las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del Prerrafaelismo del último Romanticismo inglés, y el Movimiento llamado Artes y Oficios. A su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.


Tuvo su mayor auge entre los años 1892 y 1902. Se considera que las primeras pinturas de art noveau se encuentran en el Castillo de Roquetaillade (Francia). Eugène Viollet-le-Duc restauró el castillo en la década de 1850 y aun cuando su ideal para el torreón del castillo era producir una recreación gótica, la imitación dio lugar a frescos que son ejemplos del un estilo germinal modernista, argumentase a la vista de sus movimientos orgánicos, los colores y la gracia de sus formas. La primera señal evidente del movimiento modernista se puede reconocer en la década de 1880 en un conjunto de diseños progresistas tales como el diseño para la tapa del libro publicado en 1883 del diseñador y arquitecto Arthur Mackmurdo que hizo en referencia a las iglesias diseñadas por Sir Christopher Wren. Se puede aducir también la tendencia en algunos diseños de hierro forjado con formas flotantes libres, o algunas diseños textiles florales, la mayoría de los cuales poseían algún ímpetu derivado de los patrones del diseño victoriano.
La libertad vindicada en la década de 1890 por los artistas de las distintas secesiones ocurridas en las distintas ciudades europeas dio sustento ideológico y visibilidad pública al movimiento. Un punto destacado en la evolución del modernismo fue la Exposición Universal de París del 1900, en la cual el modernismo triunfó en cada medio expuesto. De todos modos se puede decir que alcanzó su apogeo en la Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno de 1902 en Turín, Italia, donde los diseñadores exhibieron obras de todos los países europeos donde el modernismo floreció. El movimiento hizo uso de muchas innovaciones tecnológicas de finales del siglo XIX, especialmente el amplio uso del hierro expuesto –aprovechándolo más allá de su función arquitectónica- así como el uso de grandes piezas de cristal de forma irregular – vitraux- en arquitectura. Para el comienzo de la Primera Guerra Mundial, la naturaleza altamente decorativa del diseño modernista –que lo hacía caro de producir- comenzó a ser abandonado en favor del arte moderno que con sus trazos más simples y rectilíneos -y por lo tanto más barato- y estando más en armonía con la estética plana y tosca de los diseños industriales luego derivaría en el Art Decó.

El art noveau se extendió además de en ámbitos como la arquitectura y la joyería, de manera muy profusa en las artes gráficas. Ya sea en el diseño de cubiertas de libros, a ilustraciones de revistas de todo tipo, afiches comerciales a paneles decorativos o el diseño de tipografía para imprenta a la confección de postales, el modernismo dejó su marca.
Merece destacarse Aubrey Beardsley –pese a su corta vida- como uno de los más originales exponentes del modernismo gráfico y -en su caso- con ilustraciones en blanco y negro, con un estilo personalísimo que le ha reputado admiración a pesar de lo controvertido e irreverente que los temas que ilustra en sus obras fueron para su época. Otros diseñadores conocidos son Charles Rennie Mackintosh (con el movimiento de Arts and Crafts), T. Privat-Livemont, Koloman Moser y Franz von Stuck.

De todos los autores que pudieron hacer aportes a esta gran amplitud, uno de los más influyentes e imitado fue el     que nos ocupa, el  checo Alphonse Mucha. La aceptación de sus diseños, hechos con exquisita delicadeza y que incluían en su gran mayoría la figura femenina como figura central le ganó trabajos a nivel internacional, produciendo también la clave ganadora de un estilo artístico comercial a imitar por los ilustradores de la época.
MUCHA, VIDA Y OBRA.


Nació en la ciudad de Ivancice, Moravia el 24 de julio de 1860. Sus habilidades para el canto le permitieron continuar su educación secundaria en Brno, capital de Moravia; sin embargo desde niño se sintió principalmente atraído por el dibujo. Trabajó en empleos de pintura decorativa en Moravia, principalmente para puestas teatrales. En 1879 se mudó a Viena para trabajar con una compañía vienesa de diseño teatral logrando informalmente completar su educación artística. Cuando en 1881 un incendio destruyó el negocio de sus empleadores, regresó a Moravia, trabajando de manera independiente, haciendo pinturas decorativas y retratos. El Conde Kart Khuen de Mikulov lo contrató para decorar con murales el Castillo de Hrusovany Emmahof, y quedó tan gratamente impresionado que acordó apadrinar el aprendizaje formal de Mucha en la Academia de Bellas Artes de Múnich.
Mucha se mudó a París en 1887 y continuó sus estudios en la Académie Julian y en la Académie Colarossi, produciendo al mismo tiempo ilustraciones para revistas y publicidad.

 En 1889  se dio por terminada la financiación que el Conde Kart Khuen de Mikulov , y Mucha se vio obligado a encontrar trabajo de ilustrador para financiarse los estudios. Consiguió montar un  estudio en la rue Grand Chaumiere, situado justamente encima de la “Cremerie Madame Charlotte”, lugar donde Mucha pudo conocer a otros artistas de  la época como Gauguin, quien paso una corta temporada poco antes de viajar destino  a Tahití. Mucha trabajo para una revista de  teatro llamada “Le Costume au Théâtre”, donde ya aparecían sus primeras ilustraciones con Sarah Bernhardt como protagonista. Cuando Mucha empieza a trabajar para el editor Armand Colin al 1891, los trabajos realizados para el mismo se convierten en su principal fuente de ingresos debido a encargos como por ejemplo las ilustraciones del libro Scenes et Episodes de l’Histoire D’Allemagne, de Charles Seignobos.


Cuando Gaugin vuelve de Tahití, se instala en el estudio de Mucha.
En  1894 es contratado por el  Théâtre de la Renaissanse, debido a que estos se habían quedado sin los servicios de  Eugène Grasset, el cartelista, para realizar el cartel de la obra Gismonda, de Victorien Sardou. Sarah Bernhardt había intentado contratar a todos los famosos cartelistas de París sin éxito,ya que todos rechazaban el encargo debido a las épocas festivas de Navidad, así que decidió realizarle el encargo al aun desconocido Mucha. Gran acierto, puesto que tal fue la sensación que los carteles consiguieron transmitir que la gente los arrancaba de las calles para poder llevárselos  , Cuando  Sarah Bernhardt se disponia a realizar el pago por los servicios de Mucha, este se nego a aceptar el dinero, ofreciendole una forma de pago distinta, la contratación para trabajar durante los años venideros realizando los carteles de la actriz. Mucha gano en notoriedad a medida que hacia mas y mas carteles para Bernhart, como por ejemplo Lorenzaccio, La Samaritaine, La Dame aux camélias, Hamlet o Tosca, y cambien se dedico a supervisar, personalmente otros elementos, como el propio vestuario de las obras como la escenografía de las mismas.

Su gusto por el teatro impregno sin duda toda su creación ya que cada obra suya fue una representación en la que se fundían los artificios, la belleza plástica y la magnificencia narrativa.

Mucha firmo posteriormente un contrato de exclusividad con Champeneois para vender sus litografías, consiguiendo un éxito por ello tal que, consiguió formar parte, en 1985  del “Salón des Cent”, un grupo entre los que se encontraban Bonnard, Toulouse Lautrec, Grasset, Mallarme, y Verlaine, que tenían la revista “La Plume” como publicación propia.

También como fotógrafo participo den algunas películas experimentales de los hermanos Lumiere , incluyendo, por ejemplo, un estudio sobre el movimiento de las plantas.

En 1986 se muda a un nuevo estudio en la rue du Val-de-Grace, donde a través de Champeneois publica sus conocidos paneles decorativos de las estaciones.
Mucha se consagro como un artista muy productivo, en su exposición de la galería Bodiniere exhibió 107 obras, y 448 en la galería del Salón des cent. El mismo año la revista La Plume le dedico un numero monográfico.



Fue también profesor de dibujo en la Academie Carmen en 1898, al mismo tiempo que organizaba exposiciones en Bohemia, Praga, Budapest y Viena, ya que sus paneles decorativos estaban adquiriendo relevancia también en la zona central de Europa. Participó también en la exposición internacional de paris del 1900 por partida doble, por un lado  con las creaciones para la serie de alhajas realizadas por el joyero parisino Georges Fouquet siguiendo sus diseños. A Fouquet le llamaron la atención los adornos con los que Mucha engalanaba a las mujeres de sus carteles y paneles, reproducidos con gran lujo de detalles, también en sus propiedades materiales. En esta prevalecían las reminiscencias orientales y bizantinas. Además, diseñó los interiores de la Joyería de Fouquet.  Su otra aportación a dicha exposición fue Recibiendo una comisión especial del imperio austro húngaro para decorar el pabellón, y preparar los carteles y el resto de material gráfico de la representación de Bosnia Herzegovina, Durante el viaje de documentación que mucha realizo a los Balcanes, tomo los primeros apuntes de la epopeya Eslava.

Al terminar la exposición el emperador Franz Josef lo nombro caballero y el gobierno francés lo condecoro con la legión de honor por su contribución a la exposición.

En 1903 conoció a Maruska Chytilov, una estudiante checa de la academia coloráis, que posteriormente se convertiría en su mujer, no sin antes haber sido alumna suya.

Un año después Mucha se promociono en los estados unidos mediante la Baronesa Rothschild. Durante su gira americana se incluyeron Nueva York, Philadephia, Boston y Chicago, precisamente en esta ultima es donde conoció a Charles Crane, que patrocinaría su proyecto de la épica eslava. En los estados unidos trabajo en encargos y como profesor, hasta que en 1905 se caso con Maruska en Praga y se decidió a vivir entre las ciudades de Nueva York, Chicago y Filadelfia.

En 1910 retornó a tierras checas para establecerse en Praga, donde decoró el Teatro de Bellas Artes así como otros lugares distintivos de la ciudad.
Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928. Mucha había soñado con completar esta serie, una celebración de la épica eslava, desde su juventud. Al invadir los alemanes Checoslovaquia, Mucha fue arrestado e interrogado por los ocupantes. Nunca se recuperó de la tensión de este episodio, ni de ver su país invadido y vencido. Murió en Praga el 14 de julio de 1939 a consecuencia de una pulmonía y allí fue enterrado, en el cementerio de Vysehrad. Su última pintura fue El juramento de unión de los eslavos.
Al tiempo de su muerte, el estilo de Mucha se consideraba ya pasado de moda, pero el interés por su arte revivió en la década de 1960, y continúa experimentando interés de manera periódica desde entonces, influyendo a ilustradores contemporáneos. Gran parte del interés en el trabajo de Mucha puede ser atribuido a su hijo, el autor Jiri Mucha, quien escribió extensamente sobre su padre y dedicó gran parte de su vida a llamar la atención hacia las obras de aquél.

El estilo modernista en el cual Mucha se encuentra excelso, surge de la mezcla de formas sinuosas con el mundo vegetal. Es el arte de ornamentar por excelencia, con su estilo exuberante, y estilizado, de elementos orientales y bizantinos, combinados con antiguas tradiciones centroeuropeas que se mezclan  como un coctel irresistible dentro de la obra de Mucha, ya fuese tanto realizando ilustraciones, diseñando joyas. Muebles, complementos, cajas de galletas o las cajas del famoso Moët Chandon.
MÉDÉE



 Autor: Alphonse Mucha (Ivančice, Moravia, 24 Julio 1860 – Praga, República Checa 14 de Julio de 1939)

Título: MÉDÉE (Se trata de una obra de Teatro Clásico de Eurípides)

Fecha: 1898

Lugar: París

Técnica: Litografía

Soporte: Papel

Tema: Cartel de Teatro

Procedencia: Se trata de un encargo para el Teatro de la Renaissanse, actualmente pertenece al Mucha Trust.

Relaciones Espaciales bidimensionales:

La composición es vertical de lectura dispuesta de arriba hacia abajo. Primero leemos el titular, después conocemos a la protagonista, leemos el nombre de la actriz principal mientras vemos el puñal y la serpiente y acabamos observando el cadáver a los pies.

Técnicas Visuales aplicadas:

• Se trata de una obra modernista donde el volumen ha sido atenuado y los planos se separan mediante el tono y el grosor de las líneas.
•  Los planos que presenciamos serían: El título, el cuadro principal y el blanco del papel.
•  En el cuadro principal nos encontramos: La víctima, Medéa, un jardín y un paisaje desolado al atardecer.

Elementos sintácticos:
El título y el cuadro principal se encuentran separados por el gutter. Dentro del cuadro principal nos encontramos diferenciado el fondo del tonos cálidos de los dos personajes en tonos fríos.

En el centro, el brazo del puñal de colores saturados y cálidos se encuentra bien diferenciado de la vestimenta oscura y fría de Medéa, y del fondo que ha pasado de ser un paisaje del atardecer a ser un jardín de tonalidades grises, haciendo que el puñal gane peso visual.

La cabeza de Medea se encuentra ligeramente contra-picada, mientras que la víctima se encuentra dentro de un picado, esta perspectiva engrandece la protagonista, humilla la víctima y nos centra la visión en el medio, donde hay el puñal y el nombre de la actriz principal.

El puñal nos señala la víctima, pero en un punto donde se confunde la vestimenta de Medea, este hecho nos fuerza a cambiar el sentido de lectura hacia la izquierda para ver la víctima, haciendo que aumente el efecto dramático.





Análisis Conceptual

El título superior nos da a conocer instantáneamente el personaje protagonista, Medea, envuelta de una aura roja que intensifica su fuerza. A medida que bajamos leemos el nombre de la actriz Sarah Bernhadt a la vez que percibimos la faceta violenta y traidora que interpretará. Simbolizada con un puñal ensangrentado y una serpiente. Finalmente, humillada a los pies y en una postura deshumanizada nos encontramos a su víctima, seguramente la amante de su marido: Jasón. Cabe destacar la expresión enajenada de la cara de Medea, en unos primeros esbozos Mucha había probado de dotar-la con una expresión agresiva en los labios, pero al taparlos con un velo, consigue dotar de más fuerza la mirada enloquecida dotando de más dramatismo a la obra.

El personaje mitológico de Medea simboliza la traición femenina, es la hija del rey de la Cólquide que ayudó a Jasón con una poción a ganar el Vellocino de Oro. Por amor se llegó a convertir en infanticida, fratricida y regicida. Cuando Jasón se enamoró de la hija del rey Pelas, Medea la mató a ella, al rey Pelas, a todos los hijos que Medea tenía con Jasón e incendió el palacio. Se acostumbra a simbolizar con una serpiente.



L'ÉTOILE



Autor: Alphonse Mucha (Ivančice, Moravia, 24 Julio 1860 – Praga, República Checa 14 de Julio de 1939)

Título: L’Étoile (La estrella)

Fecha: 1902

Lugar: París

Técnica: Acuarela y Tinta

Soporte: Papel

Tema: Estudio para la serie de cuatro paneles decorativos.

Procedencia: Actualmente pertenece al Mucha Trust.

Relaciones Espaciales bidimensionales:
La composición es vertical, de lectura dispuesta de arriba hacia abajo. Primero vemos la cara de la chica fusionada con la estrella y vamos viendo el significado alegórico de la estrella junto al cuerpo de la muchacha.

Técnicas Visuales aplicadas:

• Se trata de una obra modernista donde se le ha dotado de volumen a la chica para diferenciarla de los otros motivos.
• Los planos que presenciamos serían: La chica y un fondo indefinido.
• La chica está presentada en 3 planos más: El trozo de tela que sostiene y la mano que brilla, la cara y el torso curvo, y el resto del cuerpo junto a la vestimenta.

Elementos sintácticos:
En la parte superior, la luminosidad de la estrella en la mano gana el protagonismo principal, juntamente con el trozo de tela de la otra mano que contrasta por la oscuridad y que encuadra la cara de la chica.
Los volúmenes y las tonalidades claras y cálidas del torso destacan del fondo oscuro, indefinido y frío.

El cuerpo a medida que bajamos pierde volumen, calidez y claridad, hasta que se fusiona con la vestimenta de textura plana, de tonalidades rojizas y movimiento ascendente que nos vuelven a llevar hacia arriba.



Análisis Conceptual

La serie de paneles decorativos hacían alusión a los astros, se trataban de La Estrella, el Sol, la Luna y Venus.
 

Los cuatro simbolizados por el tipo de chicas estilizadas comunes en los diseños de Art Noveau.

Cada astro tradicionalmente, significa una característica humana básica, en el caso de la estrella es el Triunfo, el poder y la Libertad.

El ropaje muestra un estampado de hojas de laurel doradas sobre fondo granate, símbolo romano de poder y el triunfo. También la ropa roja puede hacer alusión a la llamas, como si la chica saliese victoriosa de cualquier conflicto o tormento.

De los cuatro paneles es el único donde la chica no luce flores en la cabeza, quizá porque la sabiduría no es una característica natural o simplemente para que destaque mejor la luz de la estrella. También es el panel donde la chica lleva menos ropa, la desnudez haría alusión a la libertad.

La libertad se simboliza con una chica que lleva la iluminación de la sabiduría en la mano con una antorcha o como una corona de luz, en este caso lleva una estrella que hace ambos papeles.
BIBLIOGRAFÍA



Pagina del wikipedia francés de Medea http://fr.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9d%C3%A9e

 Página del wikipedia francés de Alphons Mucha http://fr.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha

 Diccionario de Mitología: F.C. Yarza Ed. A.L. Mateos S.A.1991 Madrid

Alphonse Mucha Seducció, Modernidad y Utopía. Exposició d’Obra Social la Caixa, Barcelona 19 Septembre 2008 – 4 Gener 2009.

Página del wikipedia francés de Gauguin http://fr.wikipedia.org/wiki/Gauguin

BIOGRAFヘA D’ALPHONSE MUCHA. http://www.muchafoundation.org/ (Anglés)

 EL ART NOVEAU DE ALPHONSE MUCHA - Web Arte de Hoy
http://www.artedehoy.com/html/artnouveaumucha.html (Castellà)

REVIEW DEL MUSEO MUCHA – Web Trivago
http://www.trivago.co.uk/prague-42695/museum--exhibition--gallery/mucha-museum-14928/review-o209506 (Castellà)

Pàgina del Wikipedia Francés d'Eugène Grasset http://fr.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Grasset

Pàgina del Wikipedia Francés de la Revista “La Plume” http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Plume

dimecres, 10 de març de 2010

Context Social de Mucha a la seva estada a Paris

Context Social i Artístic:
A finals del segle XIX, a França gobernaven els Republicans Extremistes, anti-clericals, anti-monarquics i ultra-nacionalistes, que van esdevenir molt populars després de la pérdua d'Alsacia i Lorena amb Alemanya. Va ser la época de l'Afer Dreyfuss: el soldat francés que va ser considerat culpable de traïció per ser jueu, i les reaccions d'intel·lectuals com Émile Zola, que va ser condemnat a presó per escriure un article contra l'actuació del gobern en aquest asumpte.

Sarah Bernhart va ser una de les persones que van lluitar per aconseguir la llibertat de Zola, en aquella época Sarah Bernhardt, després de fer una gira internacional, habia comprat el Teatre de la Renaissance i gracies als cartells de Mucha va esdevenir tan popular que va viure un segón apogeu de la seva carrera.

Grasset era un pintor i gravador, que havia fet moltes obres decoratives i també cartells del Théatre de la Renaissance, al 1890 però va deixar els encàrrecs de Sarah Bernhardt per a treballar fent les il·lustracions de la Enciclopedia Larouse. Aquest encàrrec li va donar molt prestigi, i es va fer molt famós als Estats Units sent l'iniciador de l'estil Modernista en aquest país. També va formar part del Saló dels Cent amb Mucha, i va participar a la Exposició Universal del 1900, creant la seva propia typografía que es faria servir en els cartells i els pamfletons.

Al 1888 Gauguin es va traslladar a Arles, al Sud de França per a treballar amb Van Gogh amb les series de quadres d'Alyscamps, però el caràcter depressiu de tots dos artistes va fer fracassar l'associació, tots dos es van intentar suïcidar, i després de l'episodi de la orella, Gauguin va optar per retornar a Paris, arruinat, on va conèixer a Mucha a la Cremerie Madame Charlote. Gracies a la venta d'unes obres, al 1991 es va embarcar cap a la Polynesia, per a fugir de la cultura occidental, on va desenvolupar un estil simplificat inspirat per l'art de Tahití. Al 1894 va tornar una temporada curta a Paris, en que es va instal·lar a l'estudi de Mucha, poc abans que Mucha esdevingués conegut per les seves obres del Théatre la Renaissance.

El Saló dels Cent era una agrupació d'artistes de Paris, que publicaben la revista La Plume. Aquesta publicació que va durar entre el 1889 i el 1914 va tenir com a objectiu promocionar l'art sense cap mena de limitació, i hi van il·lustrar personatges com Willette, Forain, Toulouse-Lautrec, Maurice Denis, Gauguin, Pissaro, Signac, Seurat, Redon, Grasset i Mucha. L'Editor de la revista, publicaba especials com sobre el Gat Negre, el simbolisme de Morées o sobre l'obra de Mucha.

dijous, 7 de gener de 2010

L'Estada a París

ALPHONSE MUCHA A PARÍS

Al 1881, Mucha, a la edat de 21 anys, com retratista a Mukilov va conèixer el Comte Khuen Belasi, el qual el va contractar per a decorar el seu castell d’Emmahof. La família Belasi va quedar tant impressionada que el van recomenar per a anar al castell de Gandegg, al Tyrol, on el germà del Comte Khuen, un gran aficionat a l’art esdevé el padrí de Mucha, i li paga els estudis d’art a l’Acadèmia d’Art de Munich, i dos anys després, al 1887, a l’Academie Julian de Paris.

L’any següent va deixar l’Academie Julian per a entrar a l’Academie Colarossi. El germà del Comte Khuen no devia quedar molt content d’aquest fet ja que va deixar de subvencionar-li els estudis al 1889, i Mucha va haver de cercar feina com a Il•lustrador per a pagar-se els estudis. Es va muntar un estudi a la rue Grand Chaumiere, sobre la “Cremerie Madame Charlotte”, un indret on Mucha va coneixer altres artistes de la época com Gauguin, qui va passar una temporada curta poc abans de viatjar cap a Tahiti. Mucha va treballar per a una revista de teatre anomenada “Le Costume au Théâtre”, on ja apareixen les primeres il•lustracions seves de Sarah Bernhardt. Quant Mucha va entrar a treballar per a l’editor Armand Colin al 1891, aquesta va esdevenir la seva principal font d’ingressos, amb encàrrecs com les il•lustracions del llibre: Scenes et Episodes de l’Histoire D’Allemagne, de Charles Seignobos.

Quan Gaugin va tornar de Tahití, es va instal•lar a l’estudi de Mucha. Al 1894 Mucha va ser fichat per al Théâtre de la Renaissanse, ja que s’habien quedat sense Eugène Grasset, el cartellista, per a fer el cartell de l’obra Gismonda, de Victorien Sardou. Sarah Bernhardt había acudit a tots els cartellistes famosos de Paris que refusaven la feina car era Nadal, així que va acabar oferint-li l’encàrrec a un llavors desconegut Mucha. Els cartells litogràfics, un cop van cobrir tot París, van causar tal sensació que la gent els arrencava de les parets per a quedar-se’ls, Quan Sarah Bernhardt volía pagar a Mucha, aquest li va refusar els diners i li va demanar que el contractés en exclusiva a Mucha per a la seva companyía per 6 anys. Mucha va guanyar notorietat a mesura que creava cartells d’Obres de Sarah Bernhart com Lorenzaccio, La Samaritaine, La Dame aux camélias, Hamlet o Tosca, i també es va dedicar a supervisar els decorats i el vestuari.

El gust pel teatre va impregnar tota la seva creació, ja que cada obra va ser una representació a la que es fonien els artificis, la bellesa plàstica i la magnificència narrativa.

Mucha va signar un contracte amb exclusiva amb Champenois, per a vendre les seves litografies, que habien aconseguit tal èxit que Mucha va arribar a formar part al 1895 del “Salon des Cent”, un grup entre els que es trobaven Bonnard, Toulouse Lautrec, Grasset, Mallarme, i Verlaine, que teníen la revista “La Plume” com a publicació pròpia.

També, com a fotògraf que era, va participar en algunes pel•lícules experimentals dels germans Lumière, incloent un estudi sobre el moviment de les plantes.

Al 1896 es muda a un nou estudi a la rue du Val-de-Grace, on a través de Champenois va publicar els seus panels decoratius de les Estacions. Mucha es va consagrar com un artista molt productiu, a la seva exposició de la galeria Bodiniere va exhibir 107 obres, 448 a la galeria al Salon des Cent el mateix any, la revista La Plume li va dedicar un número monogràfic.

Va esdevenir professor de dibuix a la Academie Carmen al 1898, mentrestant organitzava exposicions a Bohèmia, Praga, Budapest, Viena ja que els seus panells decoratius estaven esdevenint molt populars també a centre-europa. També va participar a la famosa exposició internacional de Paris del 1900, en rebre una comissió especial de l’imperi Astro-Hongarés per a decorar el pavelló, preparar els cartells, així com tota la resta de material gràfic de la representació de Bosnia Herzegovina. Durant el viatge de documentació que Mucha va fer als Balcans, va prendre els primers apunts del seu projecte sobre “l’épica Eslava”. Després de la exposició, l’Emperador Franz Josef el va nomenar Cavaller i el govern francès el va nomenar amb la legió d’Honor per la seva contribució a la exposició.

Al 1903 va conèixer a Maruska Chytilov, una estudiant checa de l’Academia Colorassi, i més endavant alumna de Mucha, que va esdevenir la seva dona.
Un any després, Mucha es va promocionar molt als Estats Units mitjançant la Baronessa Rothschild. La seva gira americana va incloure Nova York, Filadèlfia, Boston i Chicago. Allí va conèixer a Charles Crane, qui patrocinaria el seu projecte de l’èpica Eslava. Als Estats Units va treballar en encàrrecs i com a professor, fins que al 1906 es va casar amb Maruska a Praga i es va anar a viure definitivament entre Nova York, Chicago i Filadèlfia.

L’estil Modernista, en el qual Mucha es troba excels, sorgeix de la barreja de formes sinuoses amb el món vegetal. Es l’art de l’ornament per excel•lència amb el seu estil exuberant i estilitzat d’elements artístics orientals i bizantins combinats amb antigues tradicions centreeuropees que trobem com a còctel irresistible dins l’obra Alphonse Mucha, ja fos a l’hora de realitzar il•lustracions o de dissenyar joies, mobles, complements, capses de galetes, o les capses del famós Möet Chandon.

Bibliografía


• BIOGRAFÍA D’ALPHONSE MUCHA. http://www.muchafoundation.org/ (Anglés)

• Página del wikipedia francés de Alphonse Mucha http://fr.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha (Francés)

• Alphonse Mucha Seducció, Modernidad y Utopía.
Exposició d’Obra Social la Caixa, Barcelona 19 Septembre 2008 – 4 Gener 2009.

• EL ART NOVEAU DE ALPHONSE MUCHA - Web Arte de Hoy
http://www.artedehoy.com/html/artnouveaumucha.html (Castellà)

• REVIEW DEL MUSEO MUCHA – Web Trivago
http://www.trivago.co.uk/prague-42695/museum--exhibition--gallery/mucha-museum-14928/review-o209506 (Castellà)

dimecres, 9 de desembre de 2009

L'Étoile





Autor: Alphonse Mucha (Ivančice, Moravia, 24 Juliol 1860 – Praga, República Checa 14 de Juliol de 1939)

Títol: L’Étoile (La estrella)

Data: 1902

Lloc: Paris

Técnica: Acuarel•la i Tinta

Suport: Paper

Tema: Estudi per a la série de cuatre panells decoratius

Procedencia: Actualment pertany al Mucha Trust.

Relacions Espacials bidimensionals:

La composició es vertical de lectura disposada de dalt a baix. Primer veiem la cara de la noia fusionada amb la estrella i anem veient el significat alegóric de la estrella junt amb el cos de la noia.

Técniques Visuals aplicades:

• Es tracta d’una obra modernista on se li ha dotat de volum a la noia per a diferenciar-la dels altres motius.
• Els plans que presenciem serien: La noia i un fons indefinit.
• La noia está presentada en 5 plans més: el troç de roba que sosté i la má que brilla, la cara de la noia, el tors encorvat, la resta del cos i la vestimenta.

Elements sintáctics:

A la part superior, la lluentor de la estrella a la má guanya el principal protagonisme, juntament amb el troç de roba a l’altra má que contrasta per la seva foscor i que encuadra la cara de la noia.

Els volums i tonalitats clares i cálides del tors destaquen del fons fosc, indefinit i fred.

El cos a mesura que baixem perd volum, calidessa i claretat, fins que es fusiona amb la vestimenta de textura plana, de tonalitats vermelles i moviment ascendent que ens tornen a portar cap amunt.

Anàlisi Conceptual

La serie de panells decoratius feien al•lusió als astres, es tracten de la Estrella, el Sol, la Lluna, i Venus.



Tots cuatre simbolitzats per les noies romántiques que van fer destacar a Mucha.

Cada astre tradicionalment significa una característica humana básica, en el cas de la estrella es el triomf, el poder i la llibertat.

El ropatge mostra un estampat de fulles de llorer d’aurades sobre fons granat, simbol romà del triomf i del poder. També la roba vermella pot fer al•lusió a flames, com si la noia sortís victoriossa de cualsevol conflicte o torment.
Dels cuatre panells es l’ unic panell on la noia no duu flors al cap, pot ser perque la sabiduria no es una característica natural o simplement per a que destaqui millor la llum de la estrella. També es el panell on la noia porta menys roba, la nuessa faria al•lusió a la llibertat.

La llibertat es simbolitza amb una noia que porta la iluminació de la sabiduria a la má amb una torxa o com una corona de llum al cap, en aquest cas porta una estrella que fa tots dos papers.

Alphonse Mucha, va treballar en les arts decoratives entre 1896 i el 1906, influenciant l’estil modernista i essent imitat constantment.

Bibliografía:

• Página del wikipedia francés de Alphons Mucha http://fr.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha
• Alphonse Mucha Seducció, Modernidad y Utopía. Exposició d’Obra Social la Caixa, Barcelona 19 Septembre 2008 – 4 Gener 2009.

MÉDÉE






Autor: Alphonse Mucha (Ivančice, Moravia, 24 Juliol 1860 – Praga, República Checa 14 de Juliol de 1939)

Títol: MÉDÉE (Es tracta d’una obra de Teatre clàssic d’Eurípid)

Data: 1898

Lloc: Paris

Técnica: Litografía

Suport: Paper

Tema: Cartell de Teatre

Procedencia: Es tracta d’un encàrrec per al Theatre la Renaisanse, actualment pertany al Mucha Trust.

Relacions Espacials bidimensionals:

La composició es vertical de lectura disposada de dalt a baix. Primer llegim el titular, després coneixem a la protagonista, llegim el nom de l’actriu principal mentres veiem el punyal i la serp i acabem observant el cadàver als peus.


Técniques Visuals aplicades:

• Es tracta d’una obra modernista on el volum ha estat atenuat i els plans es separen mitjançant el to i el gruix de línees.
• Els plans que presenciem serien: El titol, el cuadre principal i el blanc del paper.
• Al cuadre principal ens trobem: La víctima, Medea, un jardí i un paisatge desolat al capvespre.

Elements sintáctics:

El títol i el cuadre principal es troven separats per el gutter. Dintre del cuadre principal ens trobem diferenciat el fons de tons cálids dels dos personatges de tons freds.

Al centre, el braç del punyal de colors saturats i cálids es troba ben diferenciat de la vestimenta fosca i freda de Medea, i del fons que ha passat de ser un paisatge de capvespre a ser un jardí de tonalitats grises, fent que el punyal guanyi pes visual.

El cap de Medea es trova lleugerament contra-picat, mentres que la víctima es trova dins d’un picat, aquesta perspectica engrandeix la protagonista, humilia la victima i ens centra la visió al mig, on hi ha el punyal i el nom de l’actriu principal.

El punyal ens assenyala la victima, pero en un punt on es confón amb la vestimenta de Medea, aquest fet ens força a cambiar el sentit de lectura cap a la esquerra per a veure la victima, fent que augmenti el dramatisme.

Anàlisi Conceptual

El títol superior ens dona a coneixer instantaneament el personatge protagonista, Medea, envoltada d’una aura vermella que intensifica la seva força. A mesura que baixem llegim el nom de la actriu Sarah Bernhardt a la vegada que percibim la faceta violenta i traidora que interpretará, simbolitzada amb un punyal ensagnentat i una serp. Finalment, humiliada als peus i en una postura deshumanitzada ens trobem la seva víctima, segurament l’amant del seu marit: Jason. Cal destacar la expresió enagenada de la cara de Medea, en uns primers esbossos Mucha habia probat de dotar-la amb una expressió agresiva als llabis, pero en tapar-los amb un vel, aconsegueix dotar de mes força la mirada embogida dotant de més dramatisme l’obra.

Alphonse Mucha, al 1894 va ser fichat per el Theatre de la Renaissanse durant 6 anys ja que s’habien quedat sense el cartellista. Mucha va guanyar notorietat a mesura que creaba cartells d’Obres de Sarah Bernhart com Lorenzaccio, La Dame aux camélias o Hamlet.


El personatge mitológic de Medea simbolitza la traició femenina, es la filla del rey de la Colquide que va ajudar a Jasón amb una poció a guanyar el velló d’or. Per amor es va arribar a convertir en infanticida, fraticida i regicida. Quan Jasón es va enamorar de la filla del rey Pellas, Medea la va matar a ella, al rey Pelles, tots els fills que Medea tenía amb Jasón i va incendiar el palau. S’acostuma a simbolitzar amb una serp.

Bibliografía:

• Pagina del wikipedia francés de Medea http://fr.wikipedia.org/wiki/M%C3%A9d%C3%A9e
• Página del wikipedia francés de Alphons Mucha http://fr.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha
• Diccionario de Mitología: F.C. Yarza Ed. A.L. Mateos S.A.1991 Madrid
• Alphonse Mucha Seducció, Modernidad y Utopía. Exposició d’Obra Social la Caixa, Barcelona 19 Septembre 2008 – 4 Gener 2009.